L’art écologique met la nature et l’écologie au cœur de l’œuvre, afin de sensibiliser aux enjeux environnementaux. Entre définition des différents courants artistiques, présentation de quelques artistes engagés et des exemples concrets, tout pour comprendre ce qu’est l’art engagé.
C’est inhérent à l’engagement artistique : savoir dénicher les signaux faibles qui apparaissent dans les débats sociétaux et s’en faire l’écho en pionniers. Il en va ainsi des sujets liés à la transition écologique. L’art s’en est emparé de longue date. Ce que l’on rassemble aujourd’hui sous le terme « d’art écologique », pour évoquer toutes les pratiques artistiques plaçant l’environnement et la relation de l’homme avec la nature au cœur de leur création, a ainsi déjà une longue histoire.
Bien sûr, il n’y a pas un jour J, où tout a pris forme. Mais, dans les années 1960, certains artistes ont commencé à sortir les œuvres des galeries pour les insérer directement dans le paysage naturel. Ce fut alors la naissance du « Land Art ». Ces créations, souvent monumentales, sont faites de terre, de bois, de pierres, de tout ce que peut apporter la nature, et sont vouées à s’intégrer dans le milieu même où elles sont façonnées. Ici, les artistes ont un but : celui d’inviter les spectateurs à contempler autrement leur environnement.
Ce fut typiquement la démarche de Michael Heizer quand, dans le désert du Nevada, aux Etats-Unis, il s’est mis en tête de creuser deux immenses tranchées, déplaçant plus de 240 000 tonnes de pierre, afin de créer entre elles un vide monumental. Son objectif ? Qu’en cheminant au bord de ces grandes fosses, le visiteur ressente la force du paysage et de la nature.
L’intérêt pour les questions écologiques s’est ensuite intensifié, au rythme des prises de consciences. Cela a permis l’éclosion de « l’art environnemental ». La nature n’est alors plus seulement en arrière-fond de la démarche artistique : elle en devient l’élément central et les œuvres créées cherchent à sensibiliser le public aux enjeux écologiques.
L’un des exemples les plus emblématiques est l’œuvre Spiral Jetty de Robert Smithson, en 1970. Il s’agit d’une immense spirale construite avec de la terre, du sel et des roches, installée dans le Grand Lac Salé, aux États-Unis (Utah). L’œuvre semble naître de l’eau et disparaître avec elle selon le niveau du lac, selon la météo et selon les saisons.
Enfin, dans la foulée, les artistes de « l’éco-art » ont renforcé leur engagement en se faisant parfois activistes de l’environnement. Quand le Land Art explore le paysage et quand l’art environnemental interpelle sur notre lien à la nature, l’éco-art, lui, entend agir directement pour sa sauvegarde.
Ainsi, au début des années 1980, Agnes Denes, dans une œuvre baptisée Wheatfield-A Confrontation, installe un champ de blé en plein Manhattan, à New York, là où l’on s’attendrait à voir du béton. Que viennent faire ces épis dorés incongrus au milieu des buildings ? L’artiste pose alors cette question : « Que vaut la terre dans un monde dominé par la finance ? » C’est une manière, pour elle, de dénoncer la déconnexion à ses yeux totale entre économie et nature.
Découvrez aussi l’interview de Laurent Baheux, photographe animalier.
Le trash art a les mêmes ambitions de dénonciation. Dans une société de gaspillage et de surconsommation, les artistes recyclent les déchets pour lutter contre ce qu’ils considèrent être les abus de la société de consommation. Plastiques, métaux, emballages divers, appareils cassés, rebuts industriels, etc. : tout ce que l’on jette, eux l’utilisent pour créer.
Le travail mené par Vik Muniz, avec sa série Pictures of Garbage, en est un exemple parlant. Dans un immense centre de tri près de Rio de Janeiro, au Brésil, il a récupéré tout ce qu’il a trouvé, bouteilles, pneus, morceaux de plastique et autres bouts de ferraille. Il en a fait des compositions monumentales qui, vues de haut, révèlent des portraits saisissants. La symbolique est double : certes transformer des déchets en œuvres d’art mais, surtout, mettre en lumière ceux qui vivent du tri des déchets, par ces silhouettes humaines qui apparaissent soudainement au milieu de la décharge.
Pour aller plus loin, découvrez notre article sur l’upcycling, un moyen d’éviter le gaspillage.
Mais si les artistes sont engagés, c’est tout le milieu culturel qui entend être un acteur de la transition écologique. Ainsi, tous les musées cherchent à réduire leur empreinte carbone. La première mesure consiste à rallonger la durée des expositions temporaires. Cela a du sens puisque qu’un renouvellement moins fréquent signifie moins de transport pour les œuvres exposées et une moindre rotation des scénographies et autres cartels de présentation.
Et en parlant de ces derniers et de ces dernières : l’heure, aujourd’hui, est à la réutilisation, autant que possible. Est-il absolument nécessaire, à chaque nouvelle exposition, de toujours repeindre les murs ? Si oui, car on peut comprendre que cela contribue à mettre en valeur les œuvres, alors l’idée est d’utiliser des peintures éco-responsables comme celles de la marque Algo, Nature & Harmonie ou encore Little Greene , beaucoup moins polluantes.
Il y a, aussi, tout un travail à mener autour de l’éclairage, du chauffage et de la ventilation. Comme il y a un travail, enfin, sur les thématiques même des expositions. C’est en effet le rôle des musées que de participer à la sensibilisation des esprits.
L’art, quoi qu’il en soit, dans toutes ses formes écologiques, a un immense rôle à jouer pour plaider en faveur de la transition environnementale. Quand les discours scientifiques peinent parfois à convaincre, quoi de plus efficace que d’en appeler à la sensibilité du public, pour espérer inciter à une prise de conscience collective ? Les artistes l’ont bien compris.
De nombreux artistes contemporains placent l’écologie et le climat au cœur de leur travail. Parmi eux, et pour n’en citer qu’un, on peut avoir en tête Olafur Eliasson. Cet islando-danois né en 1967, avec son projet Ice Watch, a par exemple exposé des blocs de glace du Groenland dans des villes européennes, afin de montrer concrètement les effets de la fonte des glaciers et ainsi sensibiliser au réchauffement climatique.
La règle du 70/30 est un principe de composition qui consiste à structurer son œuvre (peinture, photographie, etc.) de manière équilibrée, afin de créer plus de dynamisme et de guider le regard vers son sujet principal. Il s’agit, très concrètement, d’utiliser environ 70 % d’un élément dominant et 30 % d’un élément secondaire. Cela peut concerner aussi bien les couleurs (70 % d’une couleur dominante, 30 % d’une couleur contrastante) que les espaces (jouer entre les pleins et les vides) ou encore les motifs (une grande zone simple et une plus petite zone davantage détaillée ; ou inversement).
